Carres avec Carres... Painting

Dans l'espace et l'epoque moderne "le carre" a ete source d'inspiration pour les plus grands artistes abstraits de la premiere partie du XXeme siecle; Kasimir Malevitch, Kandinsky, Klee, Mondrian, et plus tard Agnes Martin, Sol Lewit, Daniel Buren, Francois Morellet ... Ilya quelques annees, ma creation (la figuration libre) a glisse au fil des recherches dans l'abstraction avec une frequente utilisation des structures geometriques ; cercles, triangles, carres, losanges, lignes... En 2016 Je rends Hommage a Malevitch, figure symbolique par excellence de l'abstraction et illustre createur du "Carre blanc sur fond blanc " ( 1916) en proposant plusieurs Expo Pers sur "L'Eloge au Carre" Donc, dans ma création actuelle "Le Carré" avec prédilection s'éclate, triomphe,s'estompe, déferle, s'harmonise avec le nombre d'Or, avec le 3,14(pi), se déforme, plane, devient silencieux, bruillant, agressif, autant que monumental, ou miniature. En conformité, le célèbre principe de l'architecte Mies van der Rohe "Lass is more", "moins c'est plus", met en lumière les travaux de Malevitch comme firmament de l'Art Moderne Abstrait du début XXéme siècle. A la fois statique ou dynamique "mon carré" m'obsède, m'inspire, me traverse, m'imagine, me démesure. Il est lumière de l'ombre et l'ombre de lumière, transcendé par des territoires plastiques forts, rempli de couleurs puissantes ou pastels contrastées ou monocordes, harmonisées ou désonorisées totalement, décoiffées de sens, d'enjeu et de sublime. Mon "carré" espace qui transite à la recherche de quete universelle de l'harmonie. Je projette, je construis "mon carré", je le recompose, je le décline en silence, en bruit, en origine, en éphémère, en commencement, en perpétuel mouvement de lame et des sentiments. "La grace a été tout au long des cycles de création de Caloian une constante. Et il ne s'agit pas de la grace formelle seulement mais de la finesse extrême de la perception du monde propre à l'artiste. Aux formes complexes la plupart du temps arrondies, l'Artiste pacifié substitue le carré, le triangle, la ligne, le point. La recherche de l'essentiel est sereine et empreinte de douceur-la douceur de la couleur, la douceur de l'entrelacement des formes qui se déploient dans un mouvement ludique. Aux inquiétudes du passée se substitue une grande sérénité. Les champs et les cieux suggérés avec un minimum de moyens s'assoient avec légéreté sur la toile. La toile est support d'un jeu de formes et couleurs qui se constituent dans un Cosmos spécifique à Caloian ou la "composition" se développe sur une échelle musicale. Cette musique subtile et légère est empreinte de spiritualité et si on devait la traduire en notes cette musique serait une rapsodie ou un opéra d'Enesco. Le nouveau cycle représente la renaissance de Caloian, renaissance qui n'a pas été exempte de fièvre et de douleur à un Art épuré et serein qui correspond à l'Age de la sagesse." (Dana Mutiu, juin,2019, Paris)) "La déconstruction du carré Lorsque Malévitch, au début du vingtième siècle, peignait son fameux « carré », il pensait, à juste titre, mettre une fin à la peinture. Qu’en faire de la peinture, puisqu’on avait déjà la photo et le cinéma ? Son geste, pour provocateur qu’il fût, n’eut aucune conséquence. La peinture allait son train, Malévitch en avait embarqué le faux. L’ironie du destin a fait que, plus tard, dans l’époque stalinienne, Malévitch s’est vu contrit à renouer avec le sage réalisme (on doit bien vivre !). Il s’est bien gardé de suivre l’idéologie du réalisme socialiste, mais s’est contenté de peindre des portraits complaisants, tel celui de sa grand-mère. L’ancien « carré » plane sur la peinture russe contemporaine, mais aussi sur l’imagination des peintres de l’Occident. Caloïan en est du nombre. Depuis quelques années, l’artiste se concentre sur le « carré », s’essayant de le remettre (cent fois sur le métier) en tant que point de départ, et non pas de point final. Il a situé le carré de Malévitch dans des structures complexes, l’a entouré de couleurs séduisantes, de formes qui lui enrichissent la saveur. Plusieurs expositions ont prouvé la validité de sa démarche. Ceci dit, il s’est bien gardé de passer outre l’axiome moderniste qui, selon Maurice Denis, exige que le tableau soit envisagé comme une surface recouverte de formes et de couleurs qui ne défient jamais sa planéité essentielle. Il a eu une autre idée remarquable. Puisque le « maître » a peint le carreau noir sur fond noir, pourquoi ne pas prélever ce noir vibré, modulé, vivifié de Pierre Soulages ? Alors le métissage entre Malévitch et Soulages devient possible et surtout intéressant, grâce à Caloïan. Tout d’un coup, l’artiste nous surprend par une œuvre hors de la série. C’est un tableau singulier qui risque de passer inaperçu dans une exposition. Car, pour amadouer et séduire le public, il faut lui donner des parcours qui le familiarisent avec la démarche et non pas des exemples isolés qui le décontenancent. Le mieux est d’avoir le tableau chez soi, pour bien l’étudier et déchiffrer ses arcanes. C’est ce que j’ai eu le privilège de faire. C’est un ouvrage de dimensions assez imposantes, surtout pour un logis modeste, 80 cm. d’hauteur, 60 cm. de large. Le fond est noir, mais il n’est pas plat, les touches en sont nerveuses, parfois chargées de matière, ce qui fait que son rayonnement change avec l’éclairage. On voit plusieurs carrés disloqués, désemparés, en fuite devant un ennemi. Cet ennemi, c’est un triangle (le contraire d’un carré) vivement peint en couleurs primaires : rouge, vert, jaune. Il menace l’ensemble des carrés, dont on peut compter au moins six, tout-au-plus huit. Ces carrés encadrés de bleus tendent à s’ériger en cubes. Ils cherchent à s’échapper, même en dépassant les limites de la toile : c’est la fuite à la survie. En haut, au milieu (pourquoi rejeter la section d’or ?), un collage vivement coloré remet la démonstration picturale dans le domaine de la raison : on cherche à expliquer ce que l’on a ressenti. La peinture est trop souvent tentée par le décoratif. Caloïan rejette ici toute tentation du beau matissien, tout enjolivement qui séduit sans raison. Ce qu’il met en avant dans sa peinture c’est le côté dramatique, mis à l’écart pendant trop longtemps. Nous avons affaire à un drame, sinon une tragédie, qui met les formes en conflit, dans une bataille dont le dénouement reste incertain. Il y a des tableaux où on tenté d’entrer, de s’y insérer, tant ils sont accueillants. Dans ce cas-là, il vaut mieux se tenir loin, à l’affût des dangers, pour ne pas risquer d’être une simple proie parmi les entités qui s’y affrontent." (Adrian Mihalache, février 2019, Bucarest) Le vol magique « Icare » sur fond blanc est l’abolition de la pesanteur, le désir de l’Artiste de se libérer, se délivrer de ses limites, dans un vol qui atteint la pureté absolue… « Icare » sur fond noir est comme le « vol de nuit » dangereux, ambivalent, où se joue un drame existentiel… En réitérant ce drame, l’Artiste souligne l’origine rituelle de la souffrance de l’héro mythique… Les deux tableaux, en « noir » et « blanc », évoquent l’onirisme et la fascination de Caloïan pour le mythe d’Icare… Des métamorphoses, des signes, des traces d’un abandon, en utilisant le jeux d’ombres et de lumières oscillant entre l’absolu et la déchirure, comme si une onde secrète traverse l’esprit de l’Artiste… Une tumultueuse projection des textes déchirés, une expérimentation sur la matière : métissage des caractères, des lettres, des jeux typographiques, donnent aux deux tableaux l’image d’un « manuscrit » plastique, comme l’affiche… Dans l’ajustement magique du collage, les mots et les couleurs ondulent en toute liberté, pour exprimer la jouissance du vol et de l’abandon… L’Icare de Caloïan s’inscrit dans l’immense dossier du « vol magique » et de toutes les légendes relatives aux « hommes oiseaux » … Icare continue son voyage initiatique entre Ciel et Enfer, comme nous propose le « blanc » et le « noir », pour souligner la rupture entre le désir de l’Ascension et de la Chute… (Alexandra Medrea, octobre 2005, Paris) Renaitre à l’abstraction La grâce a été tout au long des cycles de création de Caloian une constante. Et il ne s’agit pas là de la grâce formelle seulement mais de la finesse extrême de la perception du monde propre à l’artiste. Aux formes complexes la plus part du temps arrondies, l’artiste pacifié substitue le carré, le triangle, la ligne, le point. La recherche de l’essentiel est sereine et empreinte de douceur-la douceur de la couleur, la douceur de l’entrelacement des formes qui se déploient dans un mouvement ludique. Aux inquiétudes du passée se substitue une grande sérénité. Les champs et les cieux suggérés avec un minimum de moyens s’assoient avec légèreté sur la toile. La rotation, spécifique aux toiles de Caloian est conservée et le jeu des géométries est cinétique. Sans aucune violence les formes se meuvent dans un cosmos harmonieux qui englobe la terre, le ciel et des incidents anecdotiques comme un point graine ou étoile, un petit carré qui fait penser à un cerf-volant. 

La toile est support d’un jeu de formes et couleurs qui se constituent dans un Cosmos spécifique à Caloian ou la composition se développe sur une échelle musicale. Cette musique subtile et légère est empreinte de spiritualité e si on devait la traduire en notes cette musique serait une rapsodie ou un opéra d’Enescu. On peut constater que les toiles abstraites de Caloian ne sont pas un jeu de l’intellect mais qu’elles correspondent à ce que Kandinsky nommait « la nécessité intérieure ». Pour l’artiste cette fois-ci cette nécessité a pour sujet une âme apaisée, mature et la forme qui en résulte tant sur le plan de la ligne tant sur le plan de la couleur est d’une grande douceur. La palette est variée. Le peintre passe avec facilité du rose crémeux au violet prune et du vert au bleu. Des motifs géométriques archaïques fréquents dans la poterie paysanne roumaine ornent des frises et ancre la toile dans un espace culturel du quel Caloian est issu. Le nouveau cycle représente la renaissance de Caloian, renaissance qui n’a pas été exempte de fièvre et de douleur à un art épuré et serein qui correspond à l’Age de la sagesse. Le mois de décembre à l’Institut Culturel Roumain de Paris, le cycle abstrait est un hommage à Malevich dont les carrés ont inspirés l’artiste et il parle du passage de la représentation du monde à la représentation de l’essence du monde. (Dana Mutiu Neuilly, le 19 novembre 2016) Gamme VIOLETTE Où Caloïan assagi Les couleurs correspondent-elles à des états de l’âme et l’âme a-t-elle une couleur ? Si oui, l’âme de Caloïan ayant atteint l’âge de la sagesse est violette. En quête de spiritualité le peintre du toréro défiant le taureau d’antan me propose deux toiles afin que j’en écrive un commentaire. La chose n’est pas facile car connaissant bien l’artiste je crains de transposer ce que je sais sur ce que je vois. Mais la complexité des deux œuvres violettes est telle que j’accepte de plonger dans la profonde vibration de cette nouvelle dimension de Caloïan qui est pourtant une continuation de l’espace élégiaque qui l’habite et qui le définit comme peintre roumain créateur d’atmosphères « mioritiques » tant l’harmonie est évidente. Peinture et poésie ? Oui, car expressionniste figuratif autrefois, l’artiste évolue vers l’abstractionnisme lyrique de souche également expressionniste. Moderne, Caloïan ne provoque pas car il ne pratique pas la facilité. Il fait une chose infiniment plus difficile-il nous caresse, il nous apaise et il nous propose de nous amener dans une spiritualité qui passe par les couches épaisses de la pâte couchée sur la première toile. La deuxième toile, mouvement énergétique en douce spirale a à faire à la musique tant par la subtilité de la couleur que par la structure géométrique de la forme. Cette deuxième toile, dégradé de violets me parle aussi de la solitude du créateur devant le chevalet et elle me fait penser au poète roumain Ion Barbu qui écrivait dans un poème « saint corps et nourriture à lui-même Hagi mordait sa chair ». De quelle belle intériorité doit être habité l’artiste pour se donner en proie à la création et s’en nourrir en même temps ? Quelle belle paix qui embrasse la femme, elle aussi violette dans la première toile et le Cosmos intérieur reflet de l’environnent en devenir dans la deuxième ! Tout ceci est beau mais n’oublions pas que notre Caloïan est sensuel et bon vivant. Aurait-il changé ? Non, on retrouve cette dimension presque gustative dans la profusion de violet qui est enivrante. Et comme le violet est ecclésiastique on parle sans peur de béatitude dans un univers ou la couleur est Dieu. La première toile présente par endroits des lignes de contour interrompues rouges et dans le coin gauche en haut un triangle de la même couleur. Dans cette espace ou rien n’est laissé au hasard, dans cette mer violette le rouge est le cri de l’instinct, de la vie et peut-être de la jeunesse qui tire sa révérence gracieusement. Nous tirons nous aussi notre révérence au peintre pour lequel toute peinture éclate de la « nécessité intérieure » défini par Kandinsky comme seule source pérenne de l’acte picturale. Caloïan, continue de nous transporter car selon Malraux que je paraphrase le 21ième siècle sera spirituel ou ne sera pas! (Dana Mutiu Stoïca Neuilly, le 2 juin 2019)

Multi-paneled Painting:Paint on Canvas

Original:One-of-a-kind Artwork

Size:97 W x 40 H x 1.1 D in

Number of Panels:3

Delivery Time:Typically 5-7 business days for domestic shipments, 10-14 business days for international shipments.